‘Colette’: cortometraje sobre el valor del recuerdo

 

Nominado a los Premios Oscar 2021, como mejor cortometraje documental, ‘Colette’ cuenta la historia de una mujer que fue parte de la resistencia durante la ocupación francesa por los alemanes en la Segunda Guerra Mundial y quien, a sus 93 años decide, con la ayuda de una joven estudiante de historia, viajar a Alemania para descubrir los lugares donde su hermano pasó sus últimos momentos antes de morir en un campo de concentración. 

El cortometraje, que se puede apreciar en el link https://www.theguardian.com/world/ng-interactive/2020/nov/18/colette-a-former-french-resistance-member-confronts-a-family-tragedy-75-years-later es un acercamiento al lado humano e intenso de la guerra, donde la memoria histórica a través de testimonios, fotografías y registros históricos adquiere un carácter personalizado y especial, y el espectador puede observar las heridas que Europa no ha podido superar frente a los trágicos hechos de la Segunda Guerra Mundial.

De igual manera, es un reflejo de cómo la única manera de mantener viva la memoria de las víctimas del holocausto generado por las fuerzas de Adolfo Hitler es entender su historia y confrontar el dolor.

Ese es el propósito del director Anthony Giacchino, quien muestra a través de su cortometraje la importancia de la memoria histórica para una sociedad, y el balance que existe entre el universo académico y el sentir humano, ya que tanto Colette como la joven historiadora aprenden una de la otra las miradas diferentes para analizar los hechos del pasado, y a través de su viaje desde Francia hasta Alemania se devela que detrás de las cifras o la simple recolección de datos existen los sentimientos de cientos de personas que vieron a sus familiares morir y son un registro latente de los dolores que cualquier guerra o conflicto genera en el mundo.

Otro punto que destaca Anthony Giacchino es cómo el encuentro entre dos generaciones genera una conexión única que permite mantener viva la historia; como una forma de educar a la comunidad sobre la importancia de no olvidar las tragedias del pasado, entender los contextos que les dieron cabida e intentar que estas acciones de crueldad y deshumanización cometidas, en este caso durante la Segunda Guerra Mundial, no se sigan repitiendo. 

Así, ‘Colette’, nominado en cortometraje documental a los Premios Oscar 2021, que se entregarán el próximo 25 de abril, permite a los espectadores ser testigos de la memoria viva de Colette; un ejemplo de coraje, al ser capaz de confrontar sus temores, sus más profundos sentimientos e incluso sus más profundas contradicciones.

Pero, también nos permite conocer, a través de ella, a su hermano fallecido en todas sus facetas, y nos da un ejemplo de cómo convertirnos en mensajeros de la historia, de la memoria, en este caso, de las víctimas del régimen Nazi, mostrando que no solo fueron simples cifras sino seres humanos llenos de matices y anhelos, muchos de ellos truncados por la guerra.

A. Galindo

 

El director Doug Liman se inspira en un libro de la trilogía escrita por Patrick Ness y con actores sobresalientes como Tom Holland (Spider Man) y Daisy Ridler (Star Wars),  ofrece una obra muy novedosa de acción y ficción, (inicio de una saga), encaminada a desbordar la imaginación de un público juvenil principalmente. Ojalá lo logre pues el argumento es tan exótico que ilusiona en un comienzo…

Un grupo de colonos, en un territorio de ese planeta, tienen el privilegio ( y el tormento) de conocer, y hasta ver los pensamientos de los demás, lo cual es bastante insólito; además viven en ese mundo sin presencia de las mujeres porque todas han sido asesinadas.

Allí se destaca el joven Todd Hewitt quien creció en ese mundo nuevo  (año 2257), al cual no se adapta y quiere salir de allí.

En su aventura encuentra y conoce a la joven Viola, única sobreviviente de una desconocida misión espacial. Todd sufre un gran impacto al descubrirla y se dedica a protegerla y ayudarla, manifestando sus incipientes sentimientos masculinos hacia el sexo opuesto.

Aquí crece el interés por el desarrollo del guión, escrito por Charlie Kaufman.

Méritos cinematográficos especiales, bien aprovechados como la música, la ambientación y el sonido, ayudan a la imaginación del espectador.

Se espera que esta película provoque muchos debates de interés por lo novedoso del tema, para la convivencia humana.

Feeling Through

 

Cortometraje acerca de la empatía en medio de la cotidianidad.

Dirigido por Doug Roland, ‘Feeling Through’ está en la lista de preseleccionados a mejor cortometraje para los premios de la Academia, que se realizaran en abril de este año, y ya fue ganador en la categoría ‘Mejor actor principal para un cortometraje’, en los festivales de Port Townsand y Lake County (2020).

Su emotiva historia de tolerancia evidencia la importancia de las pequeñas acciones para la vida de quienes más lo necesitan. Sucede una noche de otoño de 2019 cuando el joven neoyorkino Tereek (interpretado por Steven Prescod) sale de pasar un rato con sus amigos y desesperadamente busca llegar a casa de su novia para estar con ella, pero algo lo impide.

Justo camino a la estación de bus encuentra a un hombre ciego y sordo, llamado Artie (interpretado por Robert Tarango, la primera persona ciega y sorda en aparecer en un cortometraje en la historia del cine), quien con un cartel escrito busca la ayuda de alguien que lo lleve a tomar el bus M15 para ir a casa. 

Esta situación será el detonante para un despliegue de humanidad, donde el joven Tereek pasará de una comunicación basada en mensajes de textos, charlas con sus amigos e influenciada por la tecnología, a tener que recurrir a sus conocimientos en lenguaje para personas ciegas y su intuición.

El conflicto de este cortometraje, que se puede apreciar en el link: https://www.youtube.com/watch?v=h1CqzntEZZ8, incluye el sacrificio de quien olvida por unos instantes lo que más deseaba hacer en el día para hacerse partícipe de la vida de quien anhela regresar a casa y reencontrarse con quienes más ama. Así, la historia de dos hombres totalmente opuestos se ve interconectada por la casualidad, en emotivas escenas que recuerdan lo difícil que puede ser el mundo para todos, pero también el aporte que las personas comunes y corrientes pueden dar para hacerlo un poco mejor. 

Por consiguiente, esta historia que resalta las calles de Nueva York y las anécdotas de sus habitantes, por encima del glamour de los grandes edificios, revela la simplicidad de la comunicación escrita, dando preponderancia a las frases cortas pero intensamente humanas; contraponiendo la tecnología, que aísla con las notas de una agenda, a los códigos del tacto, que producen un mensaje más auténtico de solidaridad.

Sin duda, una interesante narración audiovisual, acompañada de un relato plenamente emocional, donde los personajes aprenden, mediante la empatía, el valor de la humanidad. 

Solo una pequeña falla argumentativa se presenta, al no contextualizar apropiadamente la manera como el Tereek conoce bien el lenguaje para comunicarse con una persona invidente mediante el tacto de sus manos; pero, esto no le resta a ‘Feeling Through’ el gran impacto emocional que puede causar en las audiencias y la compleja red de conexiones emocionales que produce esta narración.

Allí se exalta un mensaje de empatía, que lamentablemente hoy se ha ido perdiendo ante las problemáticas del mundo moderno, que permean todos los entornos en los que se habita día a día, como una calle perdida de una ciudad, una estación de bus e incluso el transporte público. Estos lugares, para muchos fríos escenarios de la vida diaria, son transformados en la producción de Doug Roland en sitios de encuentro humano y cohesión social. 

A. Galindo

Coming Clean

La tragedia humana de la adicción a los opioides

En 2019, solo en Estados Unidos se registraron más de 72.000 muertes por adicción a sustancias como heroína, morfina y algunos medicamentos opioides, y para el año 2020, como consecuencia de los confinamientos impuestos por algunos estados debido a la pandemia por la COVID-19, se registró un aumento de tres mil muertes adicionales. 

 Una problemática alarmante, que llevó a la directora independiente Ondi Timoner, ganadora en 2004 del premio del gran jurado en el festival de cine de Sundance, a abordar este tema en su más reciente documental ‘Coming Clean’, que se estará en plataformas digitales y en salas de cines especializadas desde el 22 de enero de 2021.

Allí se aborda, desde diferentes aristas, el mundo de la adicción a las sustancias opioides, que incluyen un amplio grupo de drogas ilegales, como la heroína, pero también medicamentos para el dolor, como la morfina y el fentanilo, disponibles con fórmula médica, y cuyo mal uso suele ser frecuente entre algunos grupos de población, por la falsa sensación de placer que provocan y que hacen que se quiera seguir experimentando, automedicándose constantemente, generando lo que algunos expertos han llamado una epidemia de drogas.

Víctimas de esta adicción, como Destiny Díaz, Trisha Klaus y la madre de la senadora Britanny Pettersen, dan sus testimonios y cuentan sus experiencias, al mismo tiempo que se muestran algunas acciones para superar esta crisis de opioides que demanda respuestas urgentes.

Programas como la redada en el área de ‘Rio Grande’ en 2019, donde Sam Gill, fiscal general de South Lake City, con el apoyo del alcalde de la época y hoy senador Ben Mac Adams,  hicieron una estrategia combinada, atacando no solo el problema de los vendedores de drogas, sino también dándole la oportunidad a miles de adictos a la heroína y otras sustancias de rehabilitarse e integrarse de nuevo a la sociedad, se reflejan en este documental, que quiere llamar la atención de que esta crisis de opioides no solo es un problema legal, sino una epidemia, en donde las personas afectadas necesitan un acompañamiento por parte de la comunidad, sus familias y una oportunidad para empezar de nuevo sus vidas.

También se aborda un origen más de fondo para la adicción, como los abusos en la infancia u otra serie de difíciles traumas psicológicos, a lo que se suman problemáticas de la vida diaria, como un mal empleo, el confinamiento en momentos como los vividos en 2020 por la pandemia, que dejó a las personas sin sustento y muertas de miedo por los efectos del virus, o enfermedades de índole mental como la depresión, cuando no son compartidas o ni siquiera logran ser diagnosticadas; hechos expresados en los testimonios de Gary Fisher, director ejecutivo del centro de rehabilitación Cirque Lodge en Utah, y Bevery Roesch, directora clínica de este centro.

Ondi Timoner logra un montaje visual ameno y lleno de luz, donde cada testimonio y experiencia es presentada al espectador mediante una técnica de animación, de ilustraciones artísticas hechas a mano, con efectos digitales que también contextualizan las opiniones de expertos como el periodista británico Jonathan Hari.

Autor del libro ‘Chasing the Scream’, Hari critica abiertamente la solución punitiva como una manera de manejar el tema del consumo de sustancias opioides para quienes son adictos, y recuerda la importancia de construir una red de apoyo, donde amigos y familiares escuchen, orienten y ayuden a quienes tienen este problema.

De igual manera, esta producción hace una reconstrucción histórica de las tres etapas de la adicción a las sustancias opioides, y presenta un punto de vista crítico sobre la permisividad que tienen algunas empresas farmacéuticas al no reforzar a sus usuarios el tema del uso responsable de estas sustancias o los riesgos por un consumo sin las debidas indicaciones médicas o sin los procesos correctos de prescripción. 

Abogados como Mike Moore, especialista en temas legales relacionados con las sustancias opioides, plantea la necesidad de regular ciertos medicamentos con alto contenido de sustancias opioides, para evitar que este tipo de adicción pueda afectar a más ciudadanos de Estados Unidos.

 Por lo tanto, este documental logra un balance entre la faceta humana de quienes sufren por esta otra epidemia, la de la adicción a las sustancias opioides; sus familias, su entorno social con el contexto histórico, legal y académico que genera este problema, haciendo que las audiencias reflexionen sobre la importancia de entender las adicciones desde todas las perspectivas.

También hay un mensaje de esperanza, con la posibilidad de encontrar una salida a esta trágica situación, que como señala el abogado Moore, se ha ido agravando con el tema de los confinamientos exigidos ante la actual situación de pandemia que vive el mundo entero por la COVID-19.

A. Galindo

 

‘Moluka I Bond’: Un cortometraje sobre la intolerancia a las raíces.

Digirido por Alika Maikau, el cortometraje ‘Moluka I Bond’, que se presentó en la

pasada edición del festival internacional de cine del Sudeste del Pacifico en los Angeles

que termino el pasado 31 de octubre y se presentara en el festival de cine de Guam

este año, es un crudo retrato de la manera como la sociedad rompe las barreras de la

reconciliación familiar y busca discriminar el rol del padre dentro de la familia.

Este filme, cuenta la historia un padre hawaiano que busca renovar los lazos con su

hijo de nueve años mientras va a recogerlo a la entrada de su escuela ante la oposición

de su antigua esposa y madre del joven. Con esta premisa su director Maikau, busca

mostrar como el amor de un padre y los deseos de reencontrarse con su hijo son

sentimientos más fuertes que los prejuicios tradicionales de una sociedad que olvida la

importancia del rol paternal para la educación o la crianza de un hijo.

De igual manera, detalles como el arreglo de una sandalia, o las conversaciones sobre

los videojuegos que tenían en común son una excusa argumentativa para mostrar

como son las raíces familiares la fuerza que puede disolver la intolerancia social y tratar

de reconstruir una relación que se ha roto por la intolerancia de la madre, quien niega

al padre volver a estar con su hijo y la perseverancia de un hombre que intenta

recobrar la confianza de su infante.

Así que este profundo corto, ofrece una mirada diferente a las relaciones

intrafamiliares, donde una fotografía de planos generales, así como una edición sin

cortes donde los diálogos, las miradas y los detalles culturales, son una excusa para

lograr que sin importar la nacionalidad o el trasfondo étnico de los protagonistas, las

situaciones allí representadas sean un reflejo de una sociedad que se dice progresista,

pero que discrimina y niega los derechos básicos a un hombre que solo quiere retomar

los lazos con el hijo que nunca ha dejado de amar.

Por lo tanto, ‘Moluka I Bond’, es un retrato con el que los padres se pueden sentir

identificados y una oportunidad de analizar la concepción de la familia moderna vista

desde la interioridad de la cultura Hawaiana en un tiempo donde el hombre es cada vez

más relegado de los roles sociales que en muchas ocasiones ha ejercido con valor y

dignidad.

A. Galindo

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE POR LOS DERECHOS HUMANOS

 

Programación del Festival internacional de cine por los Derechos Humanos

‘Basurero’: ‘Un corto sobre la realidad de la sociedad Filipina’.

La productora y escritora Eileen Cabiling, trae bajo el marco del Festival Internacional de Cine Asiático de los Angeles, que termina el próximo 31 de octubre, su primer cortometraje ‘Basurero’, que además de presentarse en el marco de este festival, también podrá ser visto de manera digital en el festival internacional de Cine Asiático en Vancouver, Canadá la primera semana de noviembre de 2020. 

La historia de esta producción se centra en Bong, un humilde pescador filipino, quien debe sobrevivir arrojando los cadáveres de los delincuentes asesinados con el propósito de limpiar del hampa las calles de Manila. Sin embargo, la historia explora la dura vida que afrontan quienes viven de la pesca en esa región del mundo, la manera como con las sobras de otros alimentan a sus familias e incluso el sentir popular sobre el crimen en un lugar del mundo donde la justicia por mano propia es vista con buenos ojos e incluso como una necesidad permanente de la sociedad. 

Este cortometraje de diecisiete minutos de duración sigue a su personaje central por las dos clases de mundos latentes en Manila, uno donde los bares, las fiestas y las vallas publicitarias con personas hermosas gobiernan la vista, y otro, el de las barriadas pobres, donde los pescadores artesanales viven en condiciones precarias, sin recursos para sobrevivir, lleno de estafadores que les ofrecen promesas de un futuro mejor para llevarlos a otro lugar mientras buscan embaucarlos en deudas que no podrán pagar. Y es ese submundo el que obliga a Bong a dejar cualquier ética para encontrar la manera de mantener a su esposa e hijos, mientras va a la iglesia o se persigna no para lograr el perdón divino, sino para encontrar el coraje de seguir adelante en los trabajos que se presenten mientras la cámara explora íntimamente los sueños frustrados de los pescadores por un futuro mejor y la manera como solo la ley del talión se convierte en la única forma de justicia para los más humildes de esa región del mundo. 

Todo esto representado en actuaciones auténticas, y sin halos de falsedad, donde especialmente su protagonista asume su rol con fuerza dramática para denotar su seguridad frente a las acciones que está realizando, así no sean las más políticamente correctas, a la vez que muestra su frustración e impotencia al no poder escapar del círculo de miseria en la que vive con su familia. 

Por lo tanto, ‘Basurero’, es un trabajo honesto y directo que, sin ningún tinte moralizante, ni exageraciones narrativas busca llevar al espectador a encontrar las diferentes realidades que se encuentran en el corazón de una ciudad que es amable y amplia para el turista, pero llena de desigualdades e injusticias para sus más pobres, en un entorno donde la máxima es la supervivencia por encima de cualquier otro sentimiento humano. 

A. Galindo