El Cine Asiático se toma la ciudad de Los Ángeles

Aunque el poder de la pandemia del Covid 19 ha desolado el mundo de la cultura con el cierre de museos, la cancelación de conciertos y el cierre de las salas de cine, una luz de esperanza se ve hacia el horizonte, con eventos como el lanzamiento del trigésimo sexto festival de cine asiático del pacífico, que este año irá del 24 de septiembre hasta el 31 de Octubre, así como con eventos digitales y presentaciones exclusivas de lo mejor del cine independiente de China, Corea del Sur y Japón entre otros países de ese continente. 

Entre las producciones que más se destacan, están las premieres exclusivas para los Estados Unidos y el mercado occidental de películas como ‘The Paper Tigers’, del director Bao Tan, que cuenta la historia de un grupo de estudiantes de artes marciales que deben vengar la muerte de su maestro a la vez que deben asumir sus responsabilidades como padres, esposos e hijos. Esta cinta ha sido aclamada por la critica por su manera original de abordar el mundo de las artes marciales en una mezcla de acción con drama contemporáneo y un fuerte retrato humano. 

Otra de las grandes producciones que se verán en este festival es ‘Death of Nintendo’, del director filipino Raya Martin, quien regresa con una historia intimista sobre un grupo de adolescentes durante los años noventa, que van madurando a la vez que deben dejar atrás su pasión por los video juegos de esta tradicional consola de videojuegos. 

Pero no solo los relatos de ficción y drama tendrán espacio en este festival, documentales como ‘Patutiki: The Guardians of Marquesan Tatto’, muestran la belleza de las tradiciones de la Polinesia Asiática, donde los directores Christophe Cordier y Heretu Tetahiotupa, ofrecen una perspectiva de la antigua costumbre del tatuaje en las culturas de la Polinesia asiática y el esfuerzo que los descendientes de las tribus tradicionales de la región han hecho para que el gobierno reconozca su derecho a llevar con orgullo sus tatuajes tradicionales, y los estigmas que han padecido las personas que se han hecho estos trabajos estéticos corporales para evitar ser castigados por llevar en sus cuerpos el legado cultural de sus ancestros. 

Asimismo, las audiencias podrán disfrutar de un espacio especial para cortometrajes provenientes de diferentes países asiáticos auspiciado por el canal HBO, llamado ‘Apa Visionaries Short Film Competition’, que este año contará con producciones premiadas en festivales internacionales como ‘Lonely Blue Nights’ de Johnson Cheng y ‘Fine China’ de Tiffany So. Además de un espacio para realizadores jóvenes denominado ‘Armed with a Camera’, que se enfocara en mostrar las producciones de nuevos realizadores realizadas directamente en formato digital. 

Por lo tanto, a pesar de las dificultades, este año promete ser uno de los más innovadores en la historia del festival y una muestra de que el cine y la cultura están en capacidad de sobrevivir ante las adversidades de uno de los años más difíciles en la historia del siglo XXI. 

A. galindo

ENTREVISTA A PAULA VILLEGAS - J.HEREDIA

Cuestionario Sala Virtual Cinemateca

Vocera: Paula Villegas / Gerente de artes audiovisuales del Idartes - Cinemateca de Bogotá

¿Cómo surge el proyecto de la Sala Virtual Cinemateca?

A raíz de la emergencia global producida por el COVID-19 nos vimos en la tarea de repensarnos y de plantear nuevas estrategias para seguir cerca del público.

¿Cuál es el objetivo de la creación de la Sala Virtual Cinemateca?

Desde el Idartes buscamos mantenernos cerca de las personas y apoyar las disciplinas artísticas. Por esta razón, se crearon una serie de plataformas que permiten mantener ese vínculo con el público, bajo la estrategia de Idartes se muda a tu casa, se lanzó https://idartesencasa.gov.co/ donde se alojan los contenidos y se transmite la programación de todas las gerencias que componen el Idartes. En el caso de la Sala Virtual Cinemateca no se crea como plataforma, si no como una sala digital donde nos permite seguir encontrándonos con el público, donde  se ofrece la programación habitual de la Cinemateca, se mantienen las franjas y buscamos seguir fortaleciendo y cumpliendo con la misionalidad que tiene el escenario físico.  Esta virtualidad ha sido una oportunidad para expandir nuestra programación a todo el país, a lugares donde antes no llegábamos.

¿Cómo ha sido el reto más grande desde la creación de la Sala Virtual ?

Al inicio fue el entender que ante la situación actual de sanidad como podíamos lograr continuar en contacto con el público, como mantener la que hemos venido construyendo en la cinemateca física para llegar a conectar en la distancia. Replantear la manera de la negociación con las productoras y distribuidoras de las películas. Luego, venimos en ese proceso de ser reconocidos por el público a nivel nacional.

¿Cuál es el diferencial de la Sala Virtual frente a las otras plataformas que existen?

El principal diferencial son los contenidos de la programación, seguimos manteniendo la calidad y el tono curatorial que nos caracteriza. No estamos concebidos como una plataforma donde encuentras un cantidad de títulos para elegir, si no que seguimos siendo ese lugar de encuentro con la curaduría especial. Para complementar la agenda planteamos actividades académicas, encuentros que permiten entender y acercar los realizadores al público.  Esta programación es abierta a todos por medio de las redes sociales de la Cinemateca.

Por último, el valor de la boleta es asequible, es el mismo que teníamos para el escenario $5.000 y en la virtualidad tienes dos reproducciones de la misma película durante las fechas establecidas.

¿ Por qué eligieron a la plataforma de la Cinemateca los encargados de Eurocine en lugar de las otras que ya existen?

Consideramos que desde la Cinemateca hemos acompañado a Eurocine desde sus inicios, están en su versión 26 y siempre hemos sido aliados.  Pero la principal razón es que compartimos la misionalidad de acercar el público colombiano a una experiencia cinematográfica diferente; enriquecedora por su variedad cultural, diversidad lingüística y creatividad artística. Y con la nueva Sala Virtual y bajo las circunstancias que está viviendo el mundo la Sala nos permite llegar a todo el país.

Es importante resaltar que seguimos fortaleciendo nuestros aliados, no solo Eurocine, también continuamos con la programación de Midbo, Planet On, entre otros. 

¿Hay alguna preferencia por el cine colombiano?

Para la Gerencia de las Artes Audiovisuales del Idartes dentro de sus misionalidades es que la Cinemateca de Bogotá sea cabeza en la exhibición y circulación de las producciones audiovisuales colombianas, tiene un lugar especial dentro de la programación,  somos un apoyo para los realizadores y la industria cinematográfica nacional. Sin embargo, las producciones internacionales que tenemos la oportunidad de exhibir en la Sala Virtual son contenidos de valor que gozan de las mismas condiciones. Buscamos un equilibrio desde el proceso de curaduría para plantear la programación que vemos mes a mes.

¿Cómo se financia la plataforma virtual?

La forma principal de financiación se efectúa por medio de contratos con las distribuidoras que tienen la representación de los contenidos audiovisuales en Colombia. En otras ocasiones bajo recursos destinados a la Gerencia de Artes Audiovisuales por parte del Idartes.

¿Cuál es la programación actual?

En este momento la programación de la Sala Virtual Cinemateca es muy interesante. Hasta el 31 de julio, tenemos 9 títulos del Festival Eurocine, películas de España, Francia, Alemania, Polonia, entre otros países que componen esta edición. Así mismo, en la habitual Franja Midbo, estamos presentando el documental Cinema Novo de Eryk Rocha, esta película nos invita a conocer el  movimiento cinematográfico que nace en Brasil durante el inicio de los años 60, es una obra cinematográfica que nos complace tenerla en la Cinemateca.  Sin duda, buscamos que nuestro público esté conectado con nosotros y poder seguir acompañándolos desde casa. 

Aprovecho para mencionar, que la programación que viene para agosto está llena de imperdibles, tendremos el estreno nacional de manera exclusiva para Colombia de Fait Vivir la película de Oscar Ruiz Navia, Campesinos de Martha Rodriguez y Jorge Silva, Franja Midbo, Planet On, y cerrando mes la Semana de cine de Brasil. Desde ya deben agendarse...

¿Cómo acceder a la plataforma?

El acceso es muy sencillo, la Sala Virtual de la Cinemateca está en la página https://cinematecadebogota.gov.co, ahí encuentran la programación de las películas con sinopsis, trailers y desde allí pueden hacer la compra de las boletas.

‘FEATHER OF FIRE’

Un viaje épico a través del teatro de sombras

De los estudios Fictionville y disponible en la plataforma ‘Vimeo’ por cinco dólares, ‘Feathers of fire’, es la versión grabada especialmente para ser lanzada en festivales internacionales de la obra en teatro de sombras y marionetas presentada en Chicago y Nueva York, esta producción dirigida por Hamid Rahmanian, es un homenaje lleno de aventuras y magia sobre el origen de los grandes reyes persas, y la manera en la cual una historia de amor logró derrotar los paradigmas que separaban los diversos reinos del imperio.

Esta producción une el teatro de sombras, el diseño de teatro digital y la puesta en escena surrealista para contar la historia, narrados por Rostam, el denominado ‘Hércules persa’ quien narra la gesta de su padre el príncipe Zaul, un joven albino que, al ser abandonado por su padre, un noble leal al poderoso rey de Persia se educa con las aves en las montañas y aprende a convivir con la naturaleza. 

Sin embargo, arrepentido por su equivocación, el padre de Zaul regresa diez años después para pedirle perdón a su hijo y lo convence de regresar al mundo de los humanos, donde él comenzará su verdadero viaje a través de los territorios del medio oriente, y conocerá a la princesa Rudabeh, de quien se enamorará perdidamente, a pesar de ser la hija de un enemigo del rey persa, pero por la cual deberá luchar para defender su amor de la disputa entre el rey persa y el rey serpiente, quienes no aprueban esa unión.

Esta gesta épica y de aventuras logra llegar a los espectadores mediante la unión de  narraciones antiguas, que se une con referencias a cuentos de hadas occidentales, haciendo un dialogo cultural que rompe las barreras del espacio y el tiempo, mediante un juego que vincula hábilmente actores vestidos de sombras, en escenarios que hacen recordar las producciones de aventuras de los años treinta, a través de decorados suaves y llenos de magia que alternan con las figuras de sombras y colores que llevan a los espectadores desde las montañas hasta los palacios de la mítica Persia, pasando por bosques plagados de criaturas fantásticas como esfinges y océanos llenos de dragones, para convertir este viaje de hora y media en una aventura que por unos instantes hace olvidar a las audiencias que están en medio de un teatro para transportarlos a una aventura digna de una historia de Sherezada, en la legendaria novela de relatos ‘Las mil y una noches’.

Otro gran mérito de esta producción teatral filmada exclusivamente para cine, es su puesta en escena, donde 160 titiriteros y más de 130 animadores trabajaron, para convertir a los actores en sombras digitales con rostros que simbolizaban la fuerza, determinación, belleza y majestuosidad de cada uno de sus personajes, para reforzar la ilusión de estar viendo un libro ilustrado ante los espectadores y lograr atrapar minuto a minuto la atención de la audiencia, mediante un montaje que refleja el paso del tiempo, la madurez que va adquiriendo el príncipe Zaul, en su camino a ganar el corazón de la  Rudabeh.

Por lo tanto, ‘Feather’s of fire’ es una oportunidad de acercarse a un mundo de fantasía, lleno de héroes ideales, luchas por corazones perdidos y sobre todo criaturas míticas y sueños de felicidad, que solo pueden ser logrados en el ideal de la ficción, en un universo que por un instante hace olvidar la crudeza de la existencia, para transportar a los espectadores a un lugar donde todo puede ser posible, para que las preocupaciones presentes desaparezcan en la voz del príncipe Zaul y las aventuras que ha de pasar para lograr vencer las limitaciones que los reyes humanos le ponen a sus sentimientos.

A. Galindo

JINETES DEL PARAISO

La antropóloga Talía Osorio, hija del fallecido director Jaime Osorio, le dedicó 10 años a la preparación de este hermoso documental. Su interés fue presentar una obra que mostrara rasgos importantes sobre la cultura y la vida del LLANO COLOMBIANO. Y lo logró.

A medida que se van desarrollando las novedosas imágenes, con excelente fotografía, melodías bucólicas y amplios paisajes de Impactante belleza se demuestra el amor por la naturaleza. Un tranquilo río, donde se divierten los chigüiros, cruza las inmensas estepas y se muestran los abundantes rebaños de ovejas.

Y toda esta riqueza, llena de libertad, está al servicio del hombre llanero que desde pequeño siente la felicidad de usar el tradicional sombrero mientras aprende a domar los briosos caballos. El llanero es autóctono, orgulloso de su tradición y familia. Sabe sobrevivir y disfrutar de la infinita llanura.

Se aprecia la vida familiar, las costumbres y se percibe la cultura llanera propia y auténtica y los personajes reales con su lenguaje y modismos particulares.

Un protagonista importante es el cholo Valderrama, quien por sus canciones y música folclórica obtuvo un premio Grammy, pero su orgullo lo demuestra enunciando los valores propios del llanero, sus costumbre y la destreza de los campesinos para el coleo y para montar a caballo.

Merece la pena difundir este documental que en síntesis presenta la naturaleza como un paraíso con sus auténticos jinetes.

‘Welcome to a bright limbo’

  El cortometraje que habla sobre la soledad del artista.

Aunque el mundo se encuentra totalmente colapsado, y con la situación empeorando cada vez más ante la desolación que genera un virus que ha destruido todas las formas de cultura que existen en la humanidad, cortometrajes como ‘Welcome to a bright limbo’ de la directora irlandesa Cara Holmes, pueden ser uno de los pocos vestigios que recuerde el sentimiento de libertad que se perdió al menos, por un largo tiempo.

Este cortometraje del año 2019 y que fue apreciado como parte del material exclusivo que se exhibió de manera virtual los días 21 y 22 de abril, a raíz de la cancelación del Festival Internacional de Cine de Tribeca 2020, se centra en la historia de Oona Doherty, la ganadora del reality show ‘Hope Hunt’. En esta producción de diez minutos de duración, se puede apreciar la infinita soledad de su danza en medio de las calles de Belfast, donde puentes, vecindarios, gimnasios y otros espacios se convierten junto con su voz en off en los testimonios de una lucha personal por demostrar que el escenario para sus habilidades no es el confinamiento de espacios cerrados, sino la libertad de las calles y escenarios que son testigos silenciosos de todo lo que ella puede dar al mundo, a la vez, que sus diálogos no solo permiten tener un perfil emocional de sus características, sino también conocer sus intentos infructuosos de buscar éxito y reconocimiento en ciudades como Nueva York o Berlín y su regreso a casa como una forma de reencontrar su talento.

De igual manera, mediante música coral y de cámara, se observan espacios íntimos de Oona como su humilde apartamento, lleno de recortes de noticias sobre bailarines exitosos, viajes espaciales y noticias mundiales, que simbolizan sus deseos de convertir la danza en el lenguaje que la haga libre, mientras espacios como la tina donde ella se sumerge para encontrar un espacio de silencio refuerzan que mientras su danza es la expresión que quiere compartir al mundo, su intimidad se hace un secreto a voces para mostrar la batalla que tiene por delante frente a su realidad, la cual reclama por devorar sus deseos artísticos como se ve al principio de la historia, cuando es  arrojada de un vehículo para resaltar que el mundo, que hoy tanto se añora, era tan adverso como la realidad de aislamiento y la soledad del artista  que siempre ha vivido, y será la condena para las personas creativas que cada día tienen menos valor en una sociedad que se cierra a la represión y la dominación.

Así que, este universo de contrastes hace de esta producción una oportunidad de confrontar ese mundo extinto, que aunque se le extraña mucho hoy en día, también era un escenario hostil, que le costaba aceptar otras formas de talento y que solo le deja a la persona creativa y expresiva calles desoladas, miradas atónitas y silencios incomodos para denotar un sentir que cada día se pierde más en la soledad de una comunidad global moribunda y casi lista para su extinción.

Angel Galindo

LUCIAN FREUD. AUTORRETRATO

LA INTROSPECCION DE UN ARTISTA

Dentro de su temporada de arte en pantalla de Cine Colombia, las audiencias podrán ver en funciones exclusivas desde el 19 y hasta el 22 de Marzo, el documental  ‘Lucian Freud: Autorretratos’, una aproximación histórica y pictórica a la obra más íntima de este pintor figurativo alemán, nieto del padre del psicoanálisis Sigmund Freud y quien dedicó su vida a explorar Europa en busca de encontrar su propio estilo a través de una indagación autodidacta de la obra de grandes maestros como Rembrandt , Picasso y Velázquez, que lo llevarían a generar una serie de trabajos artísticos muy personales centrada en la estética y psicología de su propia imagen.

Este documental dirigido por David Bickerstaff, lleva al espectador a un viaje por ciudades como Amsterdam, Madrid, Vienna, Paris  y Londres, para aproximarse a la vida íntima y personal de Lucian, abordando sus influencias pictóricas y mostrando en primerísimo primer plano muchos de sus autorretratos como ‘Self Portrait’ de 1940, ‘Man’s head self portrait’ de 1963 y ‘Self portrait reflection’ de 2003 entre otros, donde se puede apreciar la evolución pictórica y humana de este artista y la manera como a través del apoyo de otros pintores de su tiempo como, el británico Francis Bacon, quien lo animaría a buscar su identidad y no temer a reflejar la realidad de su interioridad psicológica.

Adicionalmente, este documental muestra fragmentos de su última entrevista en el año 2010, un año antes de su muerte, con el periodista John Richardson, donde Freud cuenta sobre su proceso creativo y la relación de sus exploraciones personales, en referencia a artistas clásicos y contemporáneos de su época, además, la manera como todo el tiempo que vivió en Londres le ayudo a desarrollar su labor creativa.

Sin embargo, este viaje creativo e íntimo a la vida de Freud, no sería tan profundo e interesante para el espectador si no fuera por las precisas opiniones y comentarios de curadores como Sebastian Sceme, quien explica los primeros años de este artista y la evolución de sus primeros retratos casi caricaturescos a obras de volumen hacia un estilo figurativo; o David Dawson, quien habla de la importancia de la obra de Freud para la historia del arte contemporáneo, y la manera como sus retratos provocaron reacciones encontradas en las audiencias que apreciaban su obra.   

De igual manera, este documental también muestra como la obra de Freud ha influenciado a críticos de arte como James Hall, a realizar libros sobre la importancia del autorretrato en la historia del arte y los diferentes matices que este tipo de obra pictórica ha tenido a lo largo del trasegar estético de la humanidad, así como, la manera en que la obra de Freud ha inspirado la labor artística de pintoras contemporáneas como Anita Taylor y Liz Rideal, quienes lo tendrían como referente para sus propias obras.

Por lo tanto, ‘Lucian Freud: autorretratos’, es un documental para ver la evolución personal, profunda e incluso controversial de un artista en busca de su propia identidad, que encontraría en el cenit de su vida su auténtico talento. Sin embargo, esta culminación de su propuesta pictórica, también se debe a su interpretación y  apreciación de grandes maestros de la pintura como Rembrandt, Velázquez, Picasso y Courbet, a quienes tendría como referentes para llegar a su propia madurez física y emocional, y así, reflejar una estética de lo otoñal que puede hacer reflexionar sobre el dolor y la experiencia que significa el paso del tiempo en la vida humana.  

A. Galindo

LOS CABALLEROS

La nueva cinta del director británico Guy Ritchie, conocido por obras como El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada, Sherlock Holmes: Juego de Sombras y más, llega con Los Caballeros, una nueva producción cargada de acción y humor negro.

La  película se centra en la historia de Mickey Pearson, un estadounidense, que ha creado un poderoso imperio criminal en Londres. Pero, este elegante caballero, decide cerrar un trato con una familia rica de  Oklahoma. Sin embrago, esto causa molestia en sus clientes, quienes deciden impedir dicho pacto. Este desacuerdo termina llevando al espectador por una historia llena de engaños, tiroteos, persecuciones, chantajes y sobornos en el bajo mundo del crimen.

Con claridad se muestra la crueldad y el ambiente sanguinario de los corruptos, por el dinero y por el poder. Pero, con pequeñas dosis de humor negro, hace que la historia sea más entretenida, agradable, y logre salirse de la clásica película de la mafia.

Cuenta con unas excelentes interpretaciones, que incluye actores como Charlie Hunnam, Matthew McConaughey y Colin Farrell, entre otros. Pero, una de las más brillantes, sin duda, esla del actor británico Hugh Grant.

El guión matiza buenos momentos que se debaten entre el humor y  la acción. No obstante, en algunas ocasiones, llega a volverse predecible, haciendo que parte de la trama, pierda algo de fuerza. La banda sonora aparece precisa en las secuencias adecuadas.