‘Moluka I Bond’: Un cortometraje sobre la intolerancia a las raíces.

Digirido por Alika Maikau, el cortometraje ‘Moluka I Bond’, que se presentó en la

pasada edición del festival internacional de cine del Sudeste del Pacifico en los Angeles

que termino el pasado 31 de octubre y se presentara en el festival de cine de Guam

este año, es un crudo retrato de la manera como la sociedad rompe las barreras de la

reconciliación familiar y busca discriminar el rol del padre dentro de la familia.

Este filme, cuenta la historia un padre hawaiano que busca renovar los lazos con su

hijo de nueve años mientras va a recogerlo a la entrada de su escuela ante la oposición

de su antigua esposa y madre del joven. Con esta premisa su director Maikau, busca

mostrar como el amor de un padre y los deseos de reencontrarse con su hijo son

sentimientos más fuertes que los prejuicios tradicionales de una sociedad que olvida la

importancia del rol paternal para la educación o la crianza de un hijo.

De igual manera, detalles como el arreglo de una sandalia, o las conversaciones sobre

los videojuegos que tenían en común son una excusa argumentativa para mostrar

como son las raíces familiares la fuerza que puede disolver la intolerancia social y tratar

de reconstruir una relación que se ha roto por la intolerancia de la madre, quien niega

al padre volver a estar con su hijo y la perseverancia de un hombre que intenta

recobrar la confianza de su infante.

Así que este profundo corto, ofrece una mirada diferente a las relaciones

intrafamiliares, donde una fotografía de planos generales, así como una edición sin

cortes donde los diálogos, las miradas y los detalles culturales, son una excusa para

lograr que sin importar la nacionalidad o el trasfondo étnico de los protagonistas, las

situaciones allí representadas sean un reflejo de una sociedad que se dice progresista,

pero que discrimina y niega los derechos básicos a un hombre que solo quiere retomar

los lazos con el hijo que nunca ha dejado de amar.

Por lo tanto, ‘Moluka I Bond’, es un retrato con el que los padres se pueden sentir

identificados y una oportunidad de analizar la concepción de la familia moderna vista

desde la interioridad de la cultura Hawaiana en un tiempo donde el hombre es cada vez

más relegado de los roles sociales que en muchas ocasiones ha ejercido con valor y

dignidad.

A. Galindo

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE POR LOS DERECHOS HUMANOS

 

Programación del Festival internacional de cine por los Derechos Humanos

‘Basurero’: ‘Un corto sobre la realidad de la sociedad Filipina’.

La productora y escritora Eileen Cabiling, trae bajo el marco del Festival Internacional de Cine Asiático de los Angeles, que termina el próximo 31 de octubre, su primer cortometraje ‘Basurero’, que además de presentarse en el marco de este festival, también podrá ser visto de manera digital en el festival internacional de Cine Asiático en Vancouver, Canadá la primera semana de noviembre de 2020. 

La historia de esta producción se centra en Bong, un humilde pescador filipino, quien debe sobrevivir arrojando los cadáveres de los delincuentes asesinados con el propósito de limpiar del hampa las calles de Manila. Sin embargo, la historia explora la dura vida que afrontan quienes viven de la pesca en esa región del mundo, la manera como con las sobras de otros alimentan a sus familias e incluso el sentir popular sobre el crimen en un lugar del mundo donde la justicia por mano propia es vista con buenos ojos e incluso como una necesidad permanente de la sociedad. 

Este cortometraje de diecisiete minutos de duración sigue a su personaje central por las dos clases de mundos latentes en Manila, uno donde los bares, las fiestas y las vallas publicitarias con personas hermosas gobiernan la vista, y otro, el de las barriadas pobres, donde los pescadores artesanales viven en condiciones precarias, sin recursos para sobrevivir, lleno de estafadores que les ofrecen promesas de un futuro mejor para llevarlos a otro lugar mientras buscan embaucarlos en deudas que no podrán pagar. Y es ese submundo el que obliga a Bong a dejar cualquier ética para encontrar la manera de mantener a su esposa e hijos, mientras va a la iglesia o se persigna no para lograr el perdón divino, sino para encontrar el coraje de seguir adelante en los trabajos que se presenten mientras la cámara explora íntimamente los sueños frustrados de los pescadores por un futuro mejor y la manera como solo la ley del talión se convierte en la única forma de justicia para los más humildes de esa región del mundo. 

Todo esto representado en actuaciones auténticas, y sin halos de falsedad, donde especialmente su protagonista asume su rol con fuerza dramática para denotar su seguridad frente a las acciones que está realizando, así no sean las más políticamente correctas, a la vez que muestra su frustración e impotencia al no poder escapar del círculo de miseria en la que vive con su familia. 

Por lo tanto, ‘Basurero’, es un trabajo honesto y directo que, sin ningún tinte moralizante, ni exageraciones narrativas busca llevar al espectador a encontrar las diferentes realidades que se encuentran en el corazón de una ciudad que es amable y amplia para el turista, pero llena de desigualdades e injusticias para sus más pobres, en un entorno donde la máxima es la supervivencia por encima de cualquier otro sentimiento humano. 

A. Galindo

‘A Bedsore’: ‘Un entrecruce de dramas humanos’‘

Después de ser exhibida en el Festival de Cine de Londres, en 2019, llega al Festival de Cine Asiático del Pacífico, en los Ángeles, ‘A Bedsore’, el primer largometraje de la directora Shim HyeJung.

Esta producción, que se presentará del 15 al 18 de octubre en la plataforma streaming de este Festival, cuenta la historia del señor Kang Chang Sik y su familia, quienes sufren por la condición de discapacidad que le generó a la madre un derrame cerebro vascular; además, él tiene un serio conflicto interno al sentir una atracción especial por la persona que cuida a su esposa. 

Sin embargo, su directora Shim HyeJung no toma el camino fácil del melodrama tradicional, sino que explora abiertamente temas controversiales. Uno de ellos es la inmigración ilegal, encarnada en la señora Yoo Soo-Ok, quien es la persona que cuida a la madre enferma y que busca una oportunidad para legalizar su situación y obtener dinero para enviar a su familia que vive en China. 

También se tratan con sutileza y un acertado manejo del realismo, los dilemas éticos del señor Chang Sik, quien a pesar de seguir cuidando a su esposa y pagarle a la señora Sook-Ok para que la cuide, comienza a sentirse atraído por ella e incluso la espía, esperanzado de que ella pueda tener algún sentimiento por él. 

En general, esta producción, centrada en su mayoría en interiores, se vale de los más mínimos detalles para lograr una comprensión más profunda de la trama, y maneja elementos fuertemente metafóricos, como la llaga de la madre y su incapacidad de expresar el dolor que esta le produce, hasta mostrar como cada uno de los personajes va sufriendo de un dolor interno por sus vidas insatisfechas, sin encontrar las palabras, ni la manera de decir lo que en verdad sienten, ni los conflictos que viven, a pesar de estar en una condición social de clase media y gozar de ciertas comodidades financieras como sus propios negocios o familias aparentemente ideales, pero que esconden profundos vacíos emocionales. 

Ese sutil surrealismo logra cautivar al espectador cuando una melodía tradicional de amor ‘The first love’ es la excusa para que se revele la discreta pasión del padre por la cuidadora de su esposa, quien deja rodar unas lágrimas de impotencia al no poder moverse ni manifestar sus emociones, todo ello ayudado por una fotografía sobria, actuaciones sinceras, dramáticas y directas, para escenificar situaciones que pueden presentarse en cualquier cultura.

Por lo tanto, ‘A Bedshore’ es una historia que toca abiertamente temas controversiales como el cuidado de las personas con discapacidad, la infidelidad y la inmigración ilegal, que a pesar de estar cimentados en la cultura surcoreana, sus conflictos y situaciones,  tienen una profunda validez dentro de cualquier sociedad del Planeta. 

El Cine Asiático se toma la ciudad de Los Ángeles

Aunque el poder de la pandemia del Covid 19 ha desolado el mundo de la cultura con el cierre de museos, la cancelación de conciertos y el cierre de las salas de cine, una luz de esperanza se ve hacia el horizonte, con eventos como el lanzamiento del trigésimo sexto festival de cine asiático del pacífico, que este año irá del 24 de septiembre hasta el 31 de Octubre, así como con eventos digitales y presentaciones exclusivas de lo mejor del cine independiente de China, Corea del Sur y Japón entre otros países de ese continente. 

Entre las producciones que más se destacan, están las premieres exclusivas para los Estados Unidos y el mercado occidental de películas como ‘The Paper Tigers’, del director Bao Tan, que cuenta la historia de un grupo de estudiantes de artes marciales que deben vengar la muerte de su maestro a la vez que deben asumir sus responsabilidades como padres, esposos e hijos. Esta cinta ha sido aclamada por la critica por su manera original de abordar el mundo de las artes marciales en una mezcla de acción con drama contemporáneo y un fuerte retrato humano. 

Otra de las grandes producciones que se verán en este festival es ‘Death of Nintendo’, del director filipino Raya Martin, quien regresa con una historia intimista sobre un grupo de adolescentes durante los años noventa, que van madurando a la vez que deben dejar atrás su pasión por los video juegos de esta tradicional consola de videojuegos. 

Pero no solo los relatos de ficción y drama tendrán espacio en este festival, documentales como ‘Patutiki: The Guardians of Marquesan Tatto’, muestran la belleza de las tradiciones de la Polinesia Asiática, donde los directores Christophe Cordier y Heretu Tetahiotupa, ofrecen una perspectiva de la antigua costumbre del tatuaje en las culturas de la Polinesia asiática y el esfuerzo que los descendientes de las tribus tradicionales de la región han hecho para que el gobierno reconozca su derecho a llevar con orgullo sus tatuajes tradicionales, y los estigmas que han padecido las personas que se han hecho estos trabajos estéticos corporales para evitar ser castigados por llevar en sus cuerpos el legado cultural de sus ancestros. 

Asimismo, las audiencias podrán disfrutar de un espacio especial para cortometrajes provenientes de diferentes países asiáticos auspiciado por el canal HBO, llamado ‘Apa Visionaries Short Film Competition’, que este año contará con producciones premiadas en festivales internacionales como ‘Lonely Blue Nights’ de Johnson Cheng y ‘Fine China’ de Tiffany So. Además de un espacio para realizadores jóvenes denominado ‘Armed with a Camera’, que se enfocara en mostrar las producciones de nuevos realizadores realizadas directamente en formato digital. 

Por lo tanto, a pesar de las dificultades, este año promete ser uno de los más innovadores en la historia del festival y una muestra de que el cine y la cultura están en capacidad de sobrevivir ante las adversidades de uno de los años más difíciles en la historia del siglo XXI. 

A. galindo

ENTREVISTA A PAULA VILLEGAS - J.HEREDIA

Cuestionario Sala Virtual Cinemateca

Vocera: Paula Villegas / Gerente de artes audiovisuales del Idartes - Cinemateca de Bogotá

¿Cómo surge el proyecto de la Sala Virtual Cinemateca?

A raíz de la emergencia global producida por el COVID-19 nos vimos en la tarea de repensarnos y de plantear nuevas estrategias para seguir cerca del público.

¿Cuál es el objetivo de la creación de la Sala Virtual Cinemateca?

Desde el Idartes buscamos mantenernos cerca de las personas y apoyar las disciplinas artísticas. Por esta razón, se crearon una serie de plataformas que permiten mantener ese vínculo con el público, bajo la estrategia de Idartes se muda a tu casa, se lanzó https://idartesencasa.gov.co/ donde se alojan los contenidos y se transmite la programación de todas las gerencias que componen el Idartes. En el caso de la Sala Virtual Cinemateca no se crea como plataforma, si no como una sala digital donde nos permite seguir encontrándonos con el público, donde  se ofrece la programación habitual de la Cinemateca, se mantienen las franjas y buscamos seguir fortaleciendo y cumpliendo con la misionalidad que tiene el escenario físico.  Esta virtualidad ha sido una oportunidad para expandir nuestra programación a todo el país, a lugares donde antes no llegábamos.

¿Cómo ha sido el reto más grande desde la creación de la Sala Virtual ?

Al inicio fue el entender que ante la situación actual de sanidad como podíamos lograr continuar en contacto con el público, como mantener la que hemos venido construyendo en la cinemateca física para llegar a conectar en la distancia. Replantear la manera de la negociación con las productoras y distribuidoras de las películas. Luego, venimos en ese proceso de ser reconocidos por el público a nivel nacional.

¿Cuál es el diferencial de la Sala Virtual frente a las otras plataformas que existen?

El principal diferencial son los contenidos de la programación, seguimos manteniendo la calidad y el tono curatorial que nos caracteriza. No estamos concebidos como una plataforma donde encuentras un cantidad de títulos para elegir, si no que seguimos siendo ese lugar de encuentro con la curaduría especial. Para complementar la agenda planteamos actividades académicas, encuentros que permiten entender y acercar los realizadores al público.  Esta programación es abierta a todos por medio de las redes sociales de la Cinemateca.

Por último, el valor de la boleta es asequible, es el mismo que teníamos para el escenario $5.000 y en la virtualidad tienes dos reproducciones de la misma película durante las fechas establecidas.

¿ Por qué eligieron a la plataforma de la Cinemateca los encargados de Eurocine en lugar de las otras que ya existen?

Consideramos que desde la Cinemateca hemos acompañado a Eurocine desde sus inicios, están en su versión 26 y siempre hemos sido aliados.  Pero la principal razón es que compartimos la misionalidad de acercar el público colombiano a una experiencia cinematográfica diferente; enriquecedora por su variedad cultural, diversidad lingüística y creatividad artística. Y con la nueva Sala Virtual y bajo las circunstancias que está viviendo el mundo la Sala nos permite llegar a todo el país.

Es importante resaltar que seguimos fortaleciendo nuestros aliados, no solo Eurocine, también continuamos con la programación de Midbo, Planet On, entre otros. 

¿Hay alguna preferencia por el cine colombiano?

Para la Gerencia de las Artes Audiovisuales del Idartes dentro de sus misionalidades es que la Cinemateca de Bogotá sea cabeza en la exhibición y circulación de las producciones audiovisuales colombianas, tiene un lugar especial dentro de la programación,  somos un apoyo para los realizadores y la industria cinematográfica nacional. Sin embargo, las producciones internacionales que tenemos la oportunidad de exhibir en la Sala Virtual son contenidos de valor que gozan de las mismas condiciones. Buscamos un equilibrio desde el proceso de curaduría para plantear la programación que vemos mes a mes.

¿Cómo se financia la plataforma virtual?

La forma principal de financiación se efectúa por medio de contratos con las distribuidoras que tienen la representación de los contenidos audiovisuales en Colombia. En otras ocasiones bajo recursos destinados a la Gerencia de Artes Audiovisuales por parte del Idartes.

¿Cuál es la programación actual?

En este momento la programación de la Sala Virtual Cinemateca es muy interesante. Hasta el 31 de julio, tenemos 9 títulos del Festival Eurocine, películas de España, Francia, Alemania, Polonia, entre otros países que componen esta edición. Así mismo, en la habitual Franja Midbo, estamos presentando el documental Cinema Novo de Eryk Rocha, esta película nos invita a conocer el  movimiento cinematográfico que nace en Brasil durante el inicio de los años 60, es una obra cinematográfica que nos complace tenerla en la Cinemateca.  Sin duda, buscamos que nuestro público esté conectado con nosotros y poder seguir acompañándolos desde casa. 

Aprovecho para mencionar, que la programación que viene para agosto está llena de imperdibles, tendremos el estreno nacional de manera exclusiva para Colombia de Fait Vivir la película de Oscar Ruiz Navia, Campesinos de Martha Rodriguez y Jorge Silva, Franja Midbo, Planet On, y cerrando mes la Semana de cine de Brasil. Desde ya deben agendarse...

¿Cómo acceder a la plataforma?

El acceso es muy sencillo, la Sala Virtual de la Cinemateca está en la página https://cinematecadebogota.gov.co, ahí encuentran la programación de las películas con sinopsis, trailers y desde allí pueden hacer la compra de las boletas.

‘FEATHER OF FIRE’

Un viaje épico a través del teatro de sombras

De los estudios Fictionville y disponible en la plataforma ‘Vimeo’ por cinco dólares, ‘Feathers of fire’, es la versión grabada especialmente para ser lanzada en festivales internacionales de la obra en teatro de sombras y marionetas presentada en Chicago y Nueva York, esta producción dirigida por Hamid Rahmanian, es un homenaje lleno de aventuras y magia sobre el origen de los grandes reyes persas, y la manera en la cual una historia de amor logró derrotar los paradigmas que separaban los diversos reinos del imperio.

Esta producción une el teatro de sombras, el diseño de teatro digital y la puesta en escena surrealista para contar la historia, narrados por Rostam, el denominado ‘Hércules persa’ quien narra la gesta de su padre el príncipe Zaul, un joven albino que, al ser abandonado por su padre, un noble leal al poderoso rey de Persia se educa con las aves en las montañas y aprende a convivir con la naturaleza. 

Sin embargo, arrepentido por su equivocación, el padre de Zaul regresa diez años después para pedirle perdón a su hijo y lo convence de regresar al mundo de los humanos, donde él comenzará su verdadero viaje a través de los territorios del medio oriente, y conocerá a la princesa Rudabeh, de quien se enamorará perdidamente, a pesar de ser la hija de un enemigo del rey persa, pero por la cual deberá luchar para defender su amor de la disputa entre el rey persa y el rey serpiente, quienes no aprueban esa unión.

Esta gesta épica y de aventuras logra llegar a los espectadores mediante la unión de  narraciones antiguas, que se une con referencias a cuentos de hadas occidentales, haciendo un dialogo cultural que rompe las barreras del espacio y el tiempo, mediante un juego que vincula hábilmente actores vestidos de sombras, en escenarios que hacen recordar las producciones de aventuras de los años treinta, a través de decorados suaves y llenos de magia que alternan con las figuras de sombras y colores que llevan a los espectadores desde las montañas hasta los palacios de la mítica Persia, pasando por bosques plagados de criaturas fantásticas como esfinges y océanos llenos de dragones, para convertir este viaje de hora y media en una aventura que por unos instantes hace olvidar a las audiencias que están en medio de un teatro para transportarlos a una aventura digna de una historia de Sherezada, en la legendaria novela de relatos ‘Las mil y una noches’.

Otro gran mérito de esta producción teatral filmada exclusivamente para cine, es su puesta en escena, donde 160 titiriteros y más de 130 animadores trabajaron, para convertir a los actores en sombras digitales con rostros que simbolizaban la fuerza, determinación, belleza y majestuosidad de cada uno de sus personajes, para reforzar la ilusión de estar viendo un libro ilustrado ante los espectadores y lograr atrapar minuto a minuto la atención de la audiencia, mediante un montaje que refleja el paso del tiempo, la madurez que va adquiriendo el príncipe Zaul, en su camino a ganar el corazón de la  Rudabeh.

Por lo tanto, ‘Feather’s of fire’ es una oportunidad de acercarse a un mundo de fantasía, lleno de héroes ideales, luchas por corazones perdidos y sobre todo criaturas míticas y sueños de felicidad, que solo pueden ser logrados en el ideal de la ficción, en un universo que por un instante hace olvidar la crudeza de la existencia, para transportar a los espectadores a un lugar donde todo puede ser posible, para que las preocupaciones presentes desaparezcan en la voz del príncipe Zaul y las aventuras que ha de pasar para lograr vencer las limitaciones que los reyes humanos le ponen a sus sentimientos.

A. Galindo

JINETES DEL PARAISO

La antropóloga Talía Osorio, hija del fallecido director Jaime Osorio, le dedicó 10 años a la preparación de este hermoso documental. Su interés fue presentar una obra que mostrara rasgos importantes sobre la cultura y la vida del LLANO COLOMBIANO. Y lo logró.

A medida que se van desarrollando las novedosas imágenes, con excelente fotografía, melodías bucólicas y amplios paisajes de Impactante belleza se demuestra el amor por la naturaleza. Un tranquilo río, donde se divierten los chigüiros, cruza las inmensas estepas y se muestran los abundantes rebaños de ovejas.

Y toda esta riqueza, llena de libertad, está al servicio del hombre llanero que desde pequeño siente la felicidad de usar el tradicional sombrero mientras aprende a domar los briosos caballos. El llanero es autóctono, orgulloso de su tradición y familia. Sabe sobrevivir y disfrutar de la infinita llanura.

Se aprecia la vida familiar, las costumbres y se percibe la cultura llanera propia y auténtica y los personajes reales con su lenguaje y modismos particulares.

Un protagonista importante es el cholo Valderrama, quien por sus canciones y música folclórica obtuvo un premio Grammy, pero su orgullo lo demuestra enunciando los valores propios del llanero, sus costumbre y la destreza de los campesinos para el coleo y para montar a caballo.

Merece la pena difundir este documental que en síntesis presenta la naturaleza como un paraíso con sus auténticos jinetes.

‘Welcome to a bright limbo’

  El cortometraje que habla sobre la soledad del artista.

Aunque el mundo se encuentra totalmente colapsado, y con la situación empeorando cada vez más ante la desolación que genera un virus que ha destruido todas las formas de cultura que existen en la humanidad, cortometrajes como ‘Welcome to a bright limbo’ de la directora irlandesa Cara Holmes, pueden ser uno de los pocos vestigios que recuerde el sentimiento de libertad que se perdió al menos, por un largo tiempo.

Este cortometraje del año 2019 y que fue apreciado como parte del material exclusivo que se exhibió de manera virtual los días 21 y 22 de abril, a raíz de la cancelación del Festival Internacional de Cine de Tribeca 2020, se centra en la historia de Oona Doherty, la ganadora del reality show ‘Hope Hunt’. En esta producción de diez minutos de duración, se puede apreciar la infinita soledad de su danza en medio de las calles de Belfast, donde puentes, vecindarios, gimnasios y otros espacios se convierten junto con su voz en off en los testimonios de una lucha personal por demostrar que el escenario para sus habilidades no es el confinamiento de espacios cerrados, sino la libertad de las calles y escenarios que son testigos silenciosos de todo lo que ella puede dar al mundo, a la vez, que sus diálogos no solo permiten tener un perfil emocional de sus características, sino también conocer sus intentos infructuosos de buscar éxito y reconocimiento en ciudades como Nueva York o Berlín y su regreso a casa como una forma de reencontrar su talento.

De igual manera, mediante música coral y de cámara, se observan espacios íntimos de Oona como su humilde apartamento, lleno de recortes de noticias sobre bailarines exitosos, viajes espaciales y noticias mundiales, que simbolizan sus deseos de convertir la danza en el lenguaje que la haga libre, mientras espacios como la tina donde ella se sumerge para encontrar un espacio de silencio refuerzan que mientras su danza es la expresión que quiere compartir al mundo, su intimidad se hace un secreto a voces para mostrar la batalla que tiene por delante frente a su realidad, la cual reclama por devorar sus deseos artísticos como se ve al principio de la historia, cuando es  arrojada de un vehículo para resaltar que el mundo, que hoy tanto se añora, era tan adverso como la realidad de aislamiento y la soledad del artista  que siempre ha vivido, y será la condena para las personas creativas que cada día tienen menos valor en una sociedad que se cierra a la represión y la dominación.

Así que, este universo de contrastes hace de esta producción una oportunidad de confrontar ese mundo extinto, que aunque se le extraña mucho hoy en día, también era un escenario hostil, que le costaba aceptar otras formas de talento y que solo le deja a la persona creativa y expresiva calles desoladas, miradas atónitas y silencios incomodos para denotar un sentir que cada día se pierde más en la soledad de una comunidad global moribunda y casi lista para su extinción.

Angel Galindo

LUCIAN FREUD. AUTORRETRATO

LA INTROSPECCION DE UN ARTISTA

Dentro de su temporada de arte en pantalla de Cine Colombia, las audiencias podrán ver en funciones exclusivas desde el 19 y hasta el 22 de Marzo, el documental  ‘Lucian Freud: Autorretratos’, una aproximación histórica y pictórica a la obra más íntima de este pintor figurativo alemán, nieto del padre del psicoanálisis Sigmund Freud y quien dedicó su vida a explorar Europa en busca de encontrar su propio estilo a través de una indagación autodidacta de la obra de grandes maestros como Rembrandt , Picasso y Velázquez, que lo llevarían a generar una serie de trabajos artísticos muy personales centrada en la estética y psicología de su propia imagen.

Este documental dirigido por David Bickerstaff, lleva al espectador a un viaje por ciudades como Amsterdam, Madrid, Vienna, Paris  y Londres, para aproximarse a la vida íntima y personal de Lucian, abordando sus influencias pictóricas y mostrando en primerísimo primer plano muchos de sus autorretratos como ‘Self Portrait’ de 1940, ‘Man’s head self portrait’ de 1963 y ‘Self portrait reflection’ de 2003 entre otros, donde se puede apreciar la evolución pictórica y humana de este artista y la manera como a través del apoyo de otros pintores de su tiempo como, el británico Francis Bacon, quien lo animaría a buscar su identidad y no temer a reflejar la realidad de su interioridad psicológica.

Adicionalmente, este documental muestra fragmentos de su última entrevista en el año 2010, un año antes de su muerte, con el periodista John Richardson, donde Freud cuenta sobre su proceso creativo y la relación de sus exploraciones personales, en referencia a artistas clásicos y contemporáneos de su época, además, la manera como todo el tiempo que vivió en Londres le ayudo a desarrollar su labor creativa.

Sin embargo, este viaje creativo e íntimo a la vida de Freud, no sería tan profundo e interesante para el espectador si no fuera por las precisas opiniones y comentarios de curadores como Sebastian Sceme, quien explica los primeros años de este artista y la evolución de sus primeros retratos casi caricaturescos a obras de volumen hacia un estilo figurativo; o David Dawson, quien habla de la importancia de la obra de Freud para la historia del arte contemporáneo, y la manera como sus retratos provocaron reacciones encontradas en las audiencias que apreciaban su obra.   

De igual manera, este documental también muestra como la obra de Freud ha influenciado a críticos de arte como James Hall, a realizar libros sobre la importancia del autorretrato en la historia del arte y los diferentes matices que este tipo de obra pictórica ha tenido a lo largo del trasegar estético de la humanidad, así como, la manera en que la obra de Freud ha inspirado la labor artística de pintoras contemporáneas como Anita Taylor y Liz Rideal, quienes lo tendrían como referente para sus propias obras.

Por lo tanto, ‘Lucian Freud: autorretratos’, es un documental para ver la evolución personal, profunda e incluso controversial de un artista en busca de su propia identidad, que encontraría en el cenit de su vida su auténtico talento. Sin embargo, esta culminación de su propuesta pictórica, también se debe a su interpretación y  apreciación de grandes maestros de la pintura como Rembrandt, Velázquez, Picasso y Courbet, a quienes tendría como referentes para llegar a su propia madurez física y emocional, y así, reflejar una estética de lo otoñal que puede hacer reflexionar sobre el dolor y la experiencia que significa el paso del tiempo en la vida humana.  

A. Galindo

LOS CABALLEROS

La nueva cinta del director británico Guy Ritchie, conocido por obras como El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada, Sherlock Holmes: Juego de Sombras y más, llega con Los Caballeros, una nueva producción cargada de acción y humor negro.

La  película se centra en la historia de Mickey Pearson, un estadounidense, que ha creado un poderoso imperio criminal en Londres. Pero, este elegante caballero, decide cerrar un trato con una familia rica de  Oklahoma. Sin embrago, esto causa molestia en sus clientes, quienes deciden impedir dicho pacto. Este desacuerdo termina llevando al espectador por una historia llena de engaños, tiroteos, persecuciones, chantajes y sobornos en el bajo mundo del crimen.

Con claridad se muestra la crueldad y el ambiente sanguinario de los corruptos, por el dinero y por el poder. Pero, con pequeñas dosis de humor negro, hace que la historia sea más entretenida, agradable, y logre salirse de la clásica película de la mafia.

Cuenta con unas excelentes interpretaciones, que incluye actores como Charlie Hunnam, Matthew McConaughey y Colin Farrell, entre otros. Pero, una de las más brillantes, sin duda, esla del actor británico Hugh Grant.

El guión matiza buenos momentos que se debaten entre el humor y  la acción. No obstante, en algunas ocasiones, llega a volverse predecible, haciendo que parte de la trama, pierda algo de fuerza. La banda sonora aparece precisa en las secuencias adecuadas.

UNA GUERRA BRILLANTE

EL LADO HUMANO DE LA CIENCIA

Transcurría el final del siglo XIX, y una serie de inventos maravillaban los ojos del mundo, la llegada del fonógrafo, el kinetoscopio, el daguerrotipo y el hambre por la ciencia abría las mentes de las personas a un mundo de oportunidades nunca antes soñado en la historia.

Pero especialmente entre 1893 y 1896 dos colosos de la ciencia, la investigación y la ingeniería se disputaban el control del tipo de corriente que llevaría electricidad a todas las ciudades de Estados Unidos,  Thomas Alba Edison, el genio que le dio al mundo la bombilla, las primeras nociones del teléfono, el fonógrafo y el kinestocopio, que sería la base para el cinematógrafo de los hermanos Lumiere y George Westinghouse, el titán empresario de la industria del gas, quien vio en la generación de la electricidad con un tipo de corriente más barato que el de Edison una forma más eficaz de llevar energía eléctrica a más lugares.

A partir de este mencionado hecho histórico, el director español Alfonso Gómez Rejón se apoya de los nominados al Oscar Benedict Cumberbatch (“The imitation game”, 2014) y Michael Shannon (Nominado por “Revolutionary Road” del 2008), para crear un profundo y emocionante filme llamado “Una guerra brillante”, que se verá en las salas de cine del país desde el 5 de marzo.

En esta producción Gómez Rejón, no solo muestra una apasionante descripción de hechos históricos, donde Edison, interpretado con profundo sentimiento, humanidad y emoción por Cumberbatch, se muestra además de un inventor perseverante y ansioso de dejar un legado para el mundo, como un hombre de familia, quien usa a quienes más ama como una inspiración para sus inventos, y el recuerdo de su esposa, que muere a pesar de sus cuidados,  como su inspiración para mantener vivo su legado, así sea rompiendo algunas normas éticas. Mientras que Westinghouse, interpretado por Shannon con profunda elocuencia, basa su lucha con el apoyo de su esposa, su amigo el ingeniero Pope, y el apasionado científico y antiguo colaborador de Thomas Alba Edison, Nicola Tesla, (Interpretado por Nicholas Hout), quien con sus diseños y patentes se une a Westinghouse,  para demostrar al mundo que su forma de corriente es la mejor opción no solo para iluminar la feria mundial de Chicago en 1896, sino a todo el país.

Este conflicto, es mostrado mediante una ágil edición, donde la cámara lleva al espectador al imaginario de estos dos hombres que dieron todo por la ciencia, así como las batallas académicas de Tesla por tratar de construir un modelo de motor que cambiaría la manera de transmitir energía al mundo, mediante una edición activa, que motiva al espectador a adentrarse mediante una fotografía que combina los grises y los colores con maestría, para representar los inicios de la electricidad en varias ciudades de Estados Unidos, los rostros sorprendidos del público de la época ante la llegada de los nuevos inventos que hacían de sus vidas un lugar mejor y la sensación de maravillarse ante la fuerza de los arcos de luz eléctrica en la feria mundial de Chicago en 1896, hacen que el filme además de narrar hechos científicos o históricos muestre como estos avances estaban cambiando el mundo para siempre.

De igual manera, “Una guerra brillante”, también ofrece a los espectadores una perspectiva de los dilemas éticos que pueden llegar a tener los avances tecnológicos, al mostrar como Edison accede para desacreditar a Westinghouse a asesorar el uso de la energía eléctrica para la primera ejecución de un condenado a muerte, mientras lanza al mundo su fonógrafo para que las personas puedan grabar las voces de quienes amaban o incluso lenguas que estaban por extinguirse, ofreciendo un contraste entre las diferentes posibilidades que puede ofrecer el conocimiento y como los intereses políticos y económicos  determinan el uso del saber.

Por lo tanto, esta producción ofrece una mirada humana, intensa e históricamente bien documentada sobre los inicios de la expansión de la energía eléctrica en el mundo, lo que significó para las personas que gestaron estos procesos, los espectadores que presenciaron con asombro la llegada de nuevas tecnologías al mundo y los dramas y conflictos que se entretejieron para formar los avances que hoy se dan por sentados para gran parte de la sociedad. 

Angel Galindo

EL PRECIO DE LA VERDAD (AGUAS OSCURAS)

Estupenda película que se podría catalogar como drama judicial o thriller político o filme social.

Todd Haynes, el director, ha puesto el dedo en la llaga: denuncia abiertamente a una empresa que busca el lucro antes que preocuparse por la salud humana y por el planeta.

El director parte de hechos reales para expresar su indignación contra la ambición y la búsqueda de mayores riquezas que se consiguen menospreciando la vida humana y la conservación del medio ambiente.

Todo empezó hace años en una granja de Virginia. El ganado se empieza a enfermar y a morir, sorpresivamente para su dueño que desconoce la causa. Muchos granjeros se enferman y algunos mueren. Después de muchas quejas y advertencias solo un abogado, familiar de una vecina de la granja, investigó a fondo el hecho y descubrió que la multinacional DuPont, produciendo el teflón, arrojaba desechos tóxicos al agua de una pequeña laguna cercana contaminándola.

Mark Ruffalo interpreta a Robert Billot , experimentado abogado que defiende empresas corporativas y pertenece al grupo de abogados de DuPont. Sin embargo arriesga su vida, su trabajo y su familia haciendo la investigación contra la empresa por los químicos nocivos.

INVITADOS AL FESTIVAL DE CARTAGENA

Los cinéfilos en el Festival FICCI 60 tendrán la oportunidad de conocer y dialogar con los directores de cine presentes esos días: Roger Corman, norteamericano  y Werner Herzog, alemán.