viernes, 24 de enero de 2020

1917’: Relato cinematográfico sobre las crueldades de la guerra





La Primera Guerra Mundial, denominada en su tiempo como ‘La gran guerra’, además de dejar una devastadora senda de muerte, destrucción e inestabilidad política en Europa, que daría como consecuencia el surgimiento de inconformidades sociales y el fracaso de la primera asociación global de naciones de la historia, también ha sido la fuente de inspiración de novelas históricas como ‘Sin novedad en el frente’ (de 1929), de Eric Maria Remarque, adaptada al cine por los directores Lewis Milestone (1930) y luego por Delbert Mann (1979), o la obra poética del autor británico Sigfried Sasson, en poemas como “Suicide in the trenches” o “Does it matter?”, que han mostrado las consecuencias de los conflictos bélicos y sus efectos tanto en los soldados como en los civiles que han quedado en medio del conflicto.
Ahora, se une a esta serie de narradores de las vicisitudes y experiencias vividas por los soldados, el director británico Sam Mendes, quien en su más reciente producción ‘1917’ relata la misión suicida asignada a los soldados Scottfiield y Blake, interpretados por los jóvenes actores George Mackay y Dean Charles Chapman al tener que atravesar las líneas enemigas para llevar un mensaje que salvara la vida de mil seiscientos soldados del segundo Batallón de Devonshire, incluyendo el hermano de Blake, evitando que caigan en una emboscada planeada por las fuerzas alemanas.
La producción, nominada a diez premios de la Academia en este año 2020, incluyendo mejor película y mejor director, no solo se centra en la heroica misión de estos soldados mediante una filmación en plano secuencia que sigue a los protagonistas por todo su recorrido, haciendo sentir al espectador como  si fuera un personaje más de la historia, sino que también ofrece un retrato hiperrealista de la destrucción que generó esta gran guerra, la deshumanización del conflicto armado y la predominancia del sentido del deber sobre cualquier noción humana.
Los anteriores elementos son narrados sincrónicamente mediante una combinación perfecta entre música y fotografía, donde la banda sonora original, compuesta por Thomas Newman, refleja la premura de lograr la misión, el sacrificio y el heroísmo de estos jóvenes al tener sobre sus hombros la responsabilidad de entregar un mensaje vital, al generar fuertes melodías en espacios abiertos como campos de batalla, pueblos y parajes totalmente devastados por la guerra.
Ya en los espacios interiores, la música se va disolviendo lentamente para darle campo a la tensión del confinamiento en lugares como trincheras, túneles e incluso casas abandonadas, contrastando las penurias, sacrificios personales y desprendimiento de su esencia más humana para poder llevar a cabo la una misión de vida o muerte, especialmente en escenas donde el soldado Scottfield debe anteponer su deber a un rescate humanitario de una joven y un bebé de brazos.
Sin embargo, a pesar de su tono épico, ‘1917’ también ofrece un retrato descarnado de las realidades de la Primera Guerra Mundial, mediante la presencia de un ambiente sombrío, donde los cadáveres humanos y animales contrastan fuertemente con los paisajes de los pocos bosques y praderas sobrevivientes al aura de muerte, y que se convierten, para Scottfield, Blake  y los demás  hombres del Batallón Devonshire, en los únicos refugios de contemplación antes de las batallas; ellos, antes de unirse a la insensatez de la muerte, refugian sus últimos momentos en parajes iluminados que muestran una especie de remanso de paz en medio de una destrucción que consume todo a su paso.
También, Sam Mendes (recordado por ser el ganador del Oscar en 1999 por ‘Belleza Americana’ y clásicos contemporáneos como ‘Camino a la perdición’), logra en esta producción mostrar un tono heroico de aquellos correos humanos que, como su abuelo (a quien le dedica esta película y que además de ser soldado en la primera guerra mundial también llevo mensajes claves durante este conflicto), arriesgaron su vida para atravesar los campos de batalla y llevar información de vida o muerte, cuando las comunicaciones telegráficas fueron destruidas.
Asimismo, ofrece un crudo panorama de las consecuencias que este conflicto bélico dejó en miles de jóvenes soldados que pelaron en los campos de batalla, en las víctimas inocentes cuyo único error fue habitar los lugares de conflicto, y el fin de entornos naturales otrora bellos, que sufrieron las consecuencias de bombardeos, ataques y confrontaciones de los dos bandos, haciendo de esta producción un retrato para la posteridad de los conflictos que jamás se deberían repetir en la historia de la humanidad.  

Angel Galindo



JO JO RABBIT





El director, escritor, comediante y actor neozelandés Taika Waititi presenta esta comedia satírica compuesta por un novedoso guión  y unos autores, con interpretación acertada, agradable e irónica,  para hacer divertir al espectador dentro de una marcada ideología.
El eje humano de la obra se dinamiza relacionando a los tres personajes principales: Johannes Betzler, apodado Jo Jo Rabbit (Roman Griffin Davis), de extraordinaria interpretación, y muy natural, transmitiendo inocencia e ingenuidad, un niño que pertenece a las juventudes hitlerianas y que es acompañado en muchas secuencias por su amigo imaginario Hitler, personalizado por el mismo director  Waititi. Los otros dos personajes son Rosie (Scarlett Johansson), sensible,  firme y burlona, de estupenda actuación como madre de Betzler, y la niña de origen judío llamada Elsa Korr (Thomasin McKenzie), sencilla y cauitelosa, que ayuda a abrir y darle otra dimensión a la mentalidad del niño.
Betzler a los 10 años, entusiasmado con el nacionalismo radical de los alemanes, cambia su mentalidad poco a poco cuando descubre sorprendido que su madre tiene refugiada en su misma casa a una niña judía.
La comedia es bastante divertida y por momentos presenta imágenes dramáticas para proponer el cambio de mentalidad del niño que pasa de su entusiasmo por la tiranía, el odio y la discriminación, a vivir y asimilar una dimensión humana y equilibrada.
Esta película enseña a no aferrarse a unos principios sin escuchar la contraparte y a aceptar los cambios.

lunes, 20 de enero de 2020

LA MÚSICA Y EL SONIDO: CONCEPTOS QUE COMPLEMENTAN LA MAGIA DEL CINE


En exclusiva para ‘Debates de cine’, la directora y profesora de arte cinematográfico de la Universidad estatal de California Midge Costin, quien en octubre 25 de 2019 lanzó su documental ‘Making the waves the Art of the Cinematic Sound’, nos habla sobre la importancia del sonido y la música no solo para la realización de una película sino también como elementos que pueden hacer de una producción cinematográfica una experiencia inolvidable
Debates de cine: ¿Cuál es la importancia de la música y el sonido en la producción de un filme?
Midge Costin: ‘Pienso que la música puede ser el elemento emocionalmente más poderoso de un filme, mientras que el sonido, aunque también es fundamental las audiencias no están muy al tanto de su importancia. Para mucha gente el sonido es grabado al mismo tiempo que la película es filmada, pero usualmente son solo las voces de los actores que se graban en los sets de filmación, mientras que el sonido ambiente, los pasos o ciertos efectos específicos de sonido son grabados después en el proceso de postproducción. 
Esto significa que nosotros los directores creamos los sonidos de la misma manera que un compositor crea la música que se va a incluir en una película, así que tanto el sonido como la música agregan el ambiente y el tono que va a tener cada producción cinematográfica y ambos elementos llevan mucho de la carga emotiva de la historia. Ambos elementos destacan los elementos mas emocionales que desea recalcar el director, ayudando al director a resaltar la acción, la historia o la fuerza de los personajes. 
Por lo tanto, la música puede llevar la historia y la producción a otro nivel totalmente diferente de intensidad. Asimismo, el sonido puede lograr un efecto similar en la producción, pero a un nivel más sutil, ya que es el encargado de dar un tono y un ambiente a cada escena, y a pesar de que las audiencias no noten su efecto los editores y realizadores de una película usan su fuerza para lograr que las audiencias sientan determinadas sensaciones al momento de apreciar la película. 

2. ¿Cuál es la diferencia entre banda sonora, música incidental y sonido en el proceso de filmación de una película? 
Migde Costin: Pienso que la banda sonora o la partitura original es lo que un compositor crea para un filme, no busca reflejar lo que pasa en una producción cinematográfica sino refleja lo que el director busca hacernos sentir de una cierta manera sobre una escena. 
Luego está lo que llamaría la ‘fuente de la música’, es decir la música que está pasando en el mundo del filme, por ejemplo, cuando alguien está tocando un instrumento o se escucha la radio de fondo o un artista callejero está interpretando una melodía en un exterior o alguien está cantando. Estos elementos pueden ser muy efectivos para establecer el tono y el ambiente de una escena. Esta ‘fuente de la música’ puede convertirse en una partitura o en una parte de la banda sonora original de la película. 
Un ejemplo de esta idea es la película ‘Shawshank Redemption’ (Conocida en Latinoamérica como ‘Sueños de Fuga’), donde escuchamos la música que está sonando en el radio de un carro mientras pasan los créditos de inicio de la película y gracias a los sonidos de baja y alta frecuencia que se van perdiendo a lo largo de las primeras imágenes, ya el espectador puede sentir que esas melodías vienen de un radio antiguo, lo cual ya lo va ubicando en una época precisa donde están transcurriendo los hechos.
El sonido por su parte es lo que se está grabando en el set, en los Estados Unidos es la grabación de los diálogos originales de los actores realizando la interpretación de sus personajes, aquí lo que importa es grabar su actuación, aquí no tenemos que usar un ADR (Automated dialogue replacement), un sistema que permite a los actores volver al set de filmación nuevamente y grabar de nuevo sus parlamentos.
Por consiguiente, tanto el sonido ambiente como los efectos de sonido son agregados después de que se filma la película, en el proceso de post producción, el sonido ambiente establece el tono y la ambientación de la escena y este puede ser agregado con la intención de parecer real o inmersivo, mientras que los efectos de sonido pueden hacer que un lugar o un entorno luzcan más grandes, realistas o tengan un efecto más dramático en el espectador. De esta manera, un aumento en los tonos de voz puede causar un impacto en algún punto clave del argumento, los sonidos de puertas abriéndose o cerrándose pueden dar una sensación más dramática o poderosa a una escena, el sonido de un arma puede asustarnos, la agitación de un monstruo moviéndose en la tierra puede atemorizarnos o el sonido del agua puede generarnos una sensación de poder o belleza.
3. ¿Qué habría pasado con el cine si los anteriores conceptos no hubieran existido?, ¿Cómo habría reaccionado las audiencias si estos elementos no existiesen? 
Midge Costin: Todos los elementos mencionados tienen un efecto en el espectador que contiene un determinado tipo de emoción, sin estos elementos estaríamos ante una película silente y desde mi punto de vista, sería como vivir en un mundo sin sonido, como si tuviéramos una música silente.
4. ¿Sería posible narrar una buena historia cinematográfica sin música o sonido? 
 Midge Costin: Pienso que incluso algunos de los más poderosos filmes silentes nunca fueron totalmente sin sonido, siempre hubo música o algunos efectos sonoros incluidos en su exhibición al público. Muchos de los primeros filmes tratan de sincronizar de alguna manera la música con los diálogos e incluso hay películas que no tienen música original pero usan bastantes efectos sonoros para impactar a los espectadores como ‘Los pájaros’ de Alfred Hitchcock u otros con muy pocas melodías o canciones originales como ‘No country for old men’ (‘Sin lugar para los débiles’ como se le conoce en Latinoamérica). Donde los hermanos Cohen utilizaron más los efectos de sonido y los diálogos para generar una película emocionalmente muy efectiva.

5. ¿Por qué algunos espectadores recuerdan más la banda sonora de una película que la producción cinematográfica en sí? 
Midge Costin: Porque la música en sí misma tiene un efecto emocionalmente poderoso, es algo relacionado sobre cómo nuestros cerebros procesan la información y pienso que tal vez sea algo que está en nuestros corazones, la música estremece nuestras emociones más profundas.

Angel Galindo - Jaime Heredia

miércoles, 15 de enero de 2020

EL ESCÁNDALO









Roger Allies, el superpoderoso director de la cadena de televisión Fox News creyó que su política del negocio era contratar hombres en los altos cargos y por otra parte abusar de las mujeres en la organización. Hasta que llegó el momento de la rebeldía y la denuncia femenina. La película está basada en hechos reales.
El director Jay Roach seleccionó a las famosas Nicole Kidman, Charlize Terón, Margot Robbie y John Lithgow entre otros para protagonizar esta cinta de denuncia y ejemplo para muchas otras mujeres que en la vida real son maltratadas y abusadas sexualmente en las empresas.
Roger Ailes cofundador de la cadena de noticias en 1996, hombre muy influyente durante el gobierno de George W. Busch, en plena campaña electoral en 2016 fue retirado del cargo cuando más de 20 periodistas y presentadoras del influyente canal lo denunciaron por su acoso sexual, un año antes de su muerte.
Este drama presenta sumo interés por el tema, por la magnífica actuación de sus protagonistas y la valentía de un grupo de mujeres que se unen audazmente para hacer pública la discriminación laboral y el abuso que venían soportando durante varios años.
Además de otros valores técnicos cinematográficos de la película es importante reconocer méritos al director, Jay Roach por escoger una obra que muestra el rechazo al machismo y defiende y exalta la dignidad de la mujer.